ASTRA
галерея современного искусства
ASTRA
Open callДо 60 000ХудожникиStatementCollaboration
ASTRA
EN            

Контур в Нижнем Новгороде

25 - 28 мая 2023 г.

Нижний Новгород, Театральная площадь, 1 

стенд 13

Нижний Новгород давно зарекомендовал себя как важная культурная точка России из-за большого разнообразия художественных институций и уникальных проектов. 

Ярмарка графики «Контур» соединит культурный ландшафт и станет местом встречи коллекционеров и любителей искусства.

В афише использована работа Павла Бушуева «Лежащая», 2021

Дубровская Ирина

Художник, график, автор и участник перформансов, писатель, автор сборника рассказов «Пятистенок», выпущенного в издательстве «Ломоносов» в 2019 году. Автор идеи, текстов и музыкальных композиций группы «Ersatzmusika» (Берлин). 

Художник, график, автор и участник перформансов, писатель, автор сборника рассказов «Пятистенок», выпущенного в издательстве «Ломоносов» в 2019 году. Автор идеи, текстов и музыкальных композиций группы «Ersatzmusika» (Берлин). С 2005 - 2011 года принимала участие в регулярных выступлениях с группой в городах Германии, Бельгии, Австрии.

  • В 1983 году окончила Московский государственный технологический институт, факультет «Прикладное искусство».
  • С 1984 - 1991 – была членом Молодежного объединения Союза художников СССР. 
  • С 1989 — участник многочисленных выставочных проектов как в России, так и за ее пределами. 
  • С 1991 - 2014 —  жила в Берлине, а затем на юге Франции. 
  • С 2020 года является членом союза писателей России.
  • С 2014 года живет в России в Тверской области.  

Произведения художницы находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи, в частных и корпоративных коллекциях в России, в Западной Европе и в Австралии.

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2022 —  «Картография стихий», галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2021 —  «Cтранствия души», атриум театра «Школа драматического искусства», Москва
  • 2021 — «Картография», выставочная площадка верфи Товарищества поморского судостроения, Архангельск
  • 2013 —  «Миросозерцание» галерея Ультрамарин, Санкт-Петербург
  • 2010 —  «Другие шарики», галерея Spider & Mouse, Москва
  • 2007 —  театр «Kaai Theater», Брюссель
  • 2004 —  «TATAU OBSCUR», Берлин
  • 2000 —  «Субъективная география», галерея Марата Гельмана, Москва
  • 1998 —  «Petersen & Partner», Берлин   
  • 1995 —  «Путешествия в кресле» Cafe Grün, Бремен
  • 1998 —  «TERRA INCOGNITA», Академия художеств, Берлин
  • 1997 —  «Циркуляция», Галерея O.F., Париж

«Изначально она была прогрессивной художественной молодёжью в позднем СССР. Великолепное и сложное профессиональное образование, работа в мегагигантском государственном комбинате по производству идеологических фетишей и суперобъектов и невероятное желание делать искусство с уникальным смыслом. Искусство, прожитое самостоятельно, состоящее из лепестков цивилизации, пролетающих через частную, уникальную, неповторимую жизнь. Искусство, обладающее своим неповторимым голосом для воспроизведения глубоких, прекрасных и далеко не простых переживаний человека мыслящего.

Оказавшись в городе музыкантов и художников Берлине (Западном свободомыслящем Берлине) Ирина оказалась дважды любимицей этого удивительного места. Сложно сказать, что на что влияло — успех музыкантов группы Unterwasser, где искусство Ирины действительно обрело голос в текстах группы и в её музыкальных партиях или особенное нежное внимание Берлинской Akademie der Künste к молодой художнице из СССР. В результате способность рисовать великолепно и создавать монументальные образы «государственного» качества, но с проникновенным поэтическим содержанием, принесли  Ирине Дубровской не только любовь профессионалов, но и мировую славу совершенно случайно. На фоне именно её граффити на поверхности Берлинской стены в 1990 Pink Floyd сыграли свой, изменивший мировое сознание, концерт The Wall.

Сейчас Ирина, вместе с искусством занята гуманитарной деятельностью и писательством и обратно искусством и музыкой.

Сама Ирина Дубровская теперь уже не разделяет своё творчество на жанры. Свой стиль Ирина называет «примитивный концептуализм», но не надо обманываться словами — примитивное здесь — это базовое, древнее, естественное, а концептуализм — это способность пропускать правила мира через свои чувства. Европейские кураторы определяют искусство Ирины как «одушевленные метафоры». И да — это искусство знаний и размышлений, фантастической красоты рисование в духе великих европейских мастеров, отвечающее запросам странной пары — душа и мозг».  

Елизавета Плавинская, художник, искусствовед, критик, член Общероссийской Ассоциации искусствоведов, член международной ассоциации искусствоведов AICA, член секции художников книги МСХ

О серии работ, выполненных на старых глобусах: 

«Идея пришла случайно, но до этого, как и любому художнику, конечно, хотелось найти универсальный изобразительный язык для максимального охвата одновременно всех аспектов бытия (философского, поэтического, живописного, концептуального, религиозного и т.д.), да ещё так, чтобы было максимально просто по форме, но узнаваемо и ёмко по содержанию. Глобус мне показался как раз таким самостоятельным носителем идеи мира, который принадлежит нам совершенно пока мы живы и на который мы влияем в меру своих личных качеств и намерений. Мне представляется, что на самом деле существует динамичная система взаимосвязи личности и Вселенной, очень гибкая и рассчитанная на умственную зрелость человека, на его верность общечеловеческим ценностям и идеалам.

Глобус как пособие по миросозерцанию.

В 1993 году я начала свою серию работ на глобусах. Макрокосм и микрокосм. Одно — универсально, другое — индивидуально. Вечное существование того и другого в своей последней основе есть вечный миг. «Человек в мире и мир в человеке» К этой универсальной идее я постаралась приблизиться простейшими средствами.

«Глобус» (от латинского globus — шар) — трёхмерная картина мира.

Меня привлекала очевидность для каждого этой метафоры и возможность интерпретации её без прямолинейной связи с географией, а скорее с человеческим бытием. Каждый глобус — это размышление о мире в форме понятной и доступной каждому без пояснительного текста.

Бесконечная картина, «пособие по миросозерцанию», душа наизнанку.

Мир, в античном смысле, как абсолютная эстетическая действительность, вечно новый, вечно прекрасный. Одновременно мне стали попадаться и слова поэтов, философов, лингвистов, учёных и мыслителей, которые вполне отвечали художественной интуиции, они меня вдохновляли».

Ирина Дубровская, художник

«Движение сознания в образе мира имеет не планеметрический, а трехмерный, стереoметрический характер. Сознание имеет глубину. Образ мира многомерен, как многомерен сам мир» (А. Леонтьев).

«Человек есть сумма мира, сокращенный в конспект его; мир есть раскрытие Человека, проекция его» (П. Флоренский).

«Не потрясенья и перевороты Для новой жизни очищают путь, А откровенья, бури и щедроты Души воспламененной чьей-нибудь» (Б. Пастернак).

«Два мира есть у человека: Один – который нас творил; Другой – который мы от века Творим по мере наших сил» (Е. Баратынский).



Работы


Странствия души
Дубровская Ирина

Странствия души

Глобус, смешанная техника
260 000 ₽
Окна старой фабрики (Рай и Ад)
155 000 ₽
Московский архив. Плющиха
305 000 ₽
Без названия
Дубровская Ирина

Без названия

Глобус, смешанная техника
390 000 ₽

Константинова Людмила

С 2010 года Людмила входит в группу VGLAZ. Основная тема Константиновой – потеря равновесия между реальным и его репрезентацией. Ее картины как осколки зеркала реальности во всем ее многообразии: объективной реальности, виртуальной или реальности как объекта восприятия.

Родилась в 1980 году в Москве.

Окончила Московский Архитектурный Институт и Институт проблем современного искусства.

С 2010 года входит в группу VGLAZ, в которую по принципу диалога объединились художники, делающие акцент на визуальной составляющей искусства.

В своем творчестве Людмила Константинова соединила традиции московского концептуализма с современной эстетикой цифровых мемов и общения в соцсетях. В ее работах часто возникают цитаты из художественных течений прошлого, супрематизма, поп-арта, концептуализма. Константинова всегда создает яркие и сложные образы при помощи заимствованного из постмодернизма приема соединения несочетаемого. Неcмотря на принцип цитирования и игры с переформатированными готовыми образами, в работах Людмилы Константиновой всегда присутствует авторская ироничная интонация. Часто некоторые ее живописные произведения воспринимаются как абстрактные, на самом деле они изображают различные фактуры или фрагментированные объекты реальности. Основная тема Константиновой – потеря равновесия между реальным и его репрезентацией. Ее картины как осколки зеркала реальности во всем ее многообразии: объективной реальности, виртуальной или реальности как объекта восприятия.

"В своём творчестве Константинова обращается к разнообразным художественным течениям, от супрематизма до концептуализма, и к множественным эпизодам истории искусства, в том числе к наследию тоталитарного советского прошлого и нью-вэйва 80-х. Свои оммажи автор использует как средство для иронического умозаключения, зашифрованного в ассоциациях. Отсылку к феноменологической редукции Константинова применяет в серии, где нарочито невинные изображения иллюстрируют написанные азбучным шрифтом жаргонные слова. Так, над коровой красуется надпись «тёлка», белоснежный самолётик означает «улёт», а пожилых женщин, расположившихся на скамейке, художник подписывает как «бабки». Это все — своеобразная попытка соотнести означающее с означаемым и осмыслить эту пропасть, которая отделяет наше сознание от существующих вещей." ММОМА, куратор Эльвира Тарноградская

Работы Людмилы Константиновой хранятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи (Москва), в Галерее Saatchi (Лондон), в музее современного искусства Эрарта (Санкт-Петербург) и в частных коллекциях.

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ

  • 2023 – Мир идей, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2015  – «Это не абстракция». Галерея Triangle. Москва.
  • 2015  – «Интертекст», музей «Эрарта». Санкт-Петербург;
  • 2015 – «Озарение». «Гиперкуб», Сколково, Москва;
  • 2014 – Liberation continued. Graz museum, Грац;
  • 2014 – «Метаморфозы ВГЛАЗ’а». Pechersky gallery, Москва;
  • 2013 – «Части целого». Центр современного искусства «Винзавод», Москва;
  • 2012 – Gaiety is the Most Outstanding Feature of the Soviet Union. Saatchi Gallery. London
  • 2011 – «Бега». Arthouse Squat Forum. Москва;
  • 2011 – «Русский пейзаж». Галерея М. и Ю. Гельман, Москва;
  • 2010 – «Москва в чемодане». «Les Salaisons», Романвиль, Франция;
  • 2008 – «Fast Art 24». Центр современного искусства «Винзавод», Москва;
  • 2008 – «Invasion/Evasion». Baibakov Art Projects, Москва;
  • 2006 – «Белые люди». Галерея С’Арт, Москва;
  • 2005 – «Русский поп -арт». Государственная Третьяковская галерея, Москва.
  • 2004 – «Арт-Клязьма», Московская область;
  • 2003 – Фестиваль молодого искусства «Стой! Кто идет?!», Москва;
  • 2001 – «Среди вещей». Музей декоративно-прикладного искусства, Москва.


Работы


Hubba Bubba girl
Константинова Людмила

Hubba Bubba girl, 2023

Фанера, шпатлевка, акрил
89 х 77 см
Wrigley’s girl
Константинова Людмила

Wrigley’s girl, 2023

Фанера, шпатлевка, акрил
60 х 51 см
Eclipse girl
Константинова Людмила

Eclipse girl, 2023

Фанера, шпатлевка, акрил
76 х 63 см

Котельников Олег

Олег Котельников — знаковый российский художник, поэт и музыкант из Санкт-Петербурга, а также яркая фигура Ленинградского андерграунда. 

Родился в Санкт-Петербурге в 1958 году.

Олег Котельников – легендарная фигура в истории ленинградской андеграундной культуры, художник, поэт и музыкант.

"Последовательный авангардист и неформал Олег Котельников — яркая фигура петербургского и всего отечественного искусства начиная с 1980-х годов. Друг и одноклассник Тимура Новикова, в 1982–1987 годах он входил в группу «Новые художники». В полном соответствии с творческим кредо «новых» занимался не только изобразительным искусством. Талант в музыке: Котельников играл в созданной на пару с Новиковым группе «Monsters», группе «Автоматические удовлетворители» под руководством Андрея «Свиньи» Панова, оркестре Сергея Курехина «Поп-механика». Талант в кино: он прямо по кинопленке рисовал мультфильмы, ставшие «снами Бананана» в фильме «Асса», вместе с Евгением Юфитом создал «Жировоск» и другие некрореалистические фильмы студии «Мжалалафильм». Талант в поэзии: автор афористичной лирики, он дал Северной столице название «Город Петра, Ильича и Чайковского». Именно Котельникову принадлежит изобретение популярного в среде «новых» боевого клича «Асса!», сделанного затем названием фильма Сергея Соловьева. Все это так или иначе отражается в его картинах до сих пор. Во второй половине 1990-х Котельников вместе с Андреем Медведевым осуществил в виде книги и выставки «Север-Юг» проект по смене геополитической оси. В это же время художник подолгу бывает в Японии и организует «Русско-японское вольное общество», выставляет в России японских художников и свои акварельные миниатюры.

Творческий метод Котельникова хорошо характеризует название его работы «Удар кисти» (оно было выбрано заглавием для большой выставки «Новых художников», прошедшей в Русском музее в 2010 году). Котельников из редкой породы авторов, способных вобрать все влияния, темы, сюжеты и живописные манеры, переплавив их собственной художественной силой. На смену веселому и неистовому экспрессионизму 1980-х годов приходит простой до элементарности стиль его работ 1990-х, а в 2000-е художник часто обращается к техникам акварели и коллажа. Искусствовед и летописец деятельности «новых» Екатерина Андреева так характеризует его искусство: «Мастер спонтанной живописи Котельников, воспитанный, как и его друзья из “Новых художников”, на “Слове о живописи из сада с горчичное зерно”, управляет магическими свойствами картинной плоскости, тончайшее прикосновение к которой, зернышко краски способны раскрыть космос и зажечь новый мир"VLADEY

Произведения Олега Котельникова находятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи (Москва), Государственного русского музея (Санкт-Петербург), Центра Помпиду (Париж), Музея нонконформистского искусства (Санкт-Петербург).

ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

  • 2020 — LA MORT EN ROZE. ART4. Москва
  • 2020 — Черный узкий багет. Art Square Gallery. Санкт-Петербург
  • 2012 — Теория хаоса от М. Мауса. Pechersky gallery. Москва
  • 2011 — Олег Котельников. Лофт-проект «Этажи». Санкт-Петербург
  • 2007 — Отсылка к коллективным действиям. Музей сновидений Зигмунда Фрейда. Санкт-Петербург
  • 2007 — Зрелость. Галерея Navicula Artis. Санкт-Петербург
  • 2007 — Олег Котельников. Никто не хотел работать/героический период. Музей Новой Академии изящных искусств. Санкт-Петербург
  • 2007 — Продукты жизнедеятельности. Петербургский Архив и Библиотека Независимого искусства. Санкт-Петербург
  • 2001 — Выставка живописи Олега Котельникова. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

ГРУППОВЫЕ ВЫСТАВКИ

  • 2023 – Мир идей, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2021 — Энди Уорхол и русское искусство. Севкабель Порт. Санкт-Петербург
  • 2019 — Философия общего дела. Глоссарий. ГУМ-RED-LINE. Москва
  • 2019 — Эхо экспрессионизма. Искусство Ленинграда середины - второй половины XX века. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург
  • 2018-2019 — Радикальная текучесть. Гротеск в искусстве. Музей искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков. Санкт-Петербург
  • 2018 — Предаукционная выставка The Moscow Times. Vladey. Москва
  • 2015 — Искусство быть рядом. Московский музей современного искусства. Москва
  • 2014 — Clubs of Friends. Timur Novikov’s New Artists and the New Academy. Gallery Calvert 22. Лондон. Великобритания
  • 2013 — Украшение красивого. Элитарность и китч в современном искусстве. Государственная Третьяковская галерея на Крымском Валу. Москва
  • 2012-2013 — Без барьеров. Российское искусство 1985-2000. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург
  • 2012 — Новые идут! Московский музей современного искусства. Москва
  • 2011-2012 — Passion Bild. Russische Kunst seit 1970. Kunstmuseum Bern. Берн. Швейцария
  • 2011 — Классика и современность. ВЗ «Малый Манеж». Санкт-Петербург
  • 2010 — Glasnost: Soviet non-conformist art from the 1980s. The Haunch of Venison. Cолсбери. Великобритания
  • 2010 — Удар кисти. «Новые художники» и некрореалисты 1982-1991. Галерея «Формула»; Государственный Русский музей. Санкт-Петербург
  • 2009 — The Russian Schizorevolution: An exhibition that might have been. Marres. Маастрихт. Нидерланды
  • 2008 — Памяти Тимура Новикова. Государственный музей городской скульптуры. Санкт-Петербург
  • 2007 — Петербургский пингвинизм. Музей нонконформисткого искусства. Санкт-Петербург
  • 2003 — Деньги. Третье тысячелетие. Государственный музей городской скульптуры. Санкт-Петербург
  • 2001 — Образ Тимура Новикова в русском искусстве XX века. Галерея «Д-137». Санкт-Петербург
  • 1999 — Музей современного искусства. Российское искусство 1980-1990-х годов. Центральный дом художника. Москва
  • 1996 — Самоидентификация: аспекты санкт-петербургского искусства 1970-1980-х годов. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург
  • 1996 — 2х3m. Russkoee Polle. Берлин. Германия
  • 1996 — Kunst im Verborgenen. Nonkonformisten. Russland 1957-1995. Sammlung des Staatlichen Zarizino-Museums, Moskau. Staatliches Lindenau-Museum. Альтенбург; Documenta-Halle. Кассель; Wilhelm-Hack-Museum. Людвигсхафен. Германия
  • 1993 — Современный автопортрет. ЦВЗ «Манеж». Санкт-Петербург
  • 1991 — Геополитика. Российский этнографический музей. Санкт-Петербург
  • 1988 — DE NYA från Leningrad. Kulturhuset. Cтокгольм. Швеция
  • 1988 — Выставка группы «Новые художники». ДК Ленинградского станкостроительного производственного объединения им. Я. М. Свердлова. Ленинград
  • 1986 — «Популярная механика» в Ленинградском дворце молодежи. Ленинградский дворец молодежи. Ленинград


Работы


Кротова Дарья

С 2007 года Дарья Кротова сотрудничает с объединением VGLAZ, основанным художником Гошей Острецовым. Дарья является членом Международного совета музеев (ICOM) и Международной ассоциации художественных критиков (AICA). 

Дарья Кротова, выпускница МГУ им. Ломоносова, University of North Carolina at Wilmington, США, Universite de Provence, Франция, является  членом Международного совета музеев (ICOM) и Международной ассоциации художественных критиков (AICA), членом ICA/AIC ( Международной Академии Керамики) и членом IAPMA( Международной Ассоциации художников, работающих с бумагой). В представленных работах из серии «Мемы» Дарья работает с идеей визуальных профанаций, коверканий и наслоений, которым подвергаются образы классической живописи в соцсетях и масмедии.

Родилась в 1971 году в Москве.

ОБРАЗОВАНИЕ

  • 1989-1991 - МГУ им. Ломоносова, факультет психологии
  • 1991-1993 - University of North Carolina at Wilmington, США, специализация по нейропсихологии, работы в области наследия А.Р.Лурии;
  • 1993-1996 - Universite de Provence, Экс-ан Прованс, Франция, факультет История искусств;
  • 1996-1998 - Universite de Provence, Экс-ан Прованс, Франция, аспирантура, специализация по теме “Текс и Образ в искусстве русского Авангарда.”

С 2007 года сотрудничает с объединением VGLAZ, основанным художником Гошей Острецовым

В течение четырех лет Дарья преподавала керамику и скульптуру в Третьяковской галерее, разрабатывала политику инклюзивности: с ее помощью музей создал художественные классы для людей с ограниченными возможностями здоровья.

Дарья является членом Международного совета музеев (ICOM) и Международной ассоциации художественных критиков (AICA), членом ICA/AIC ( Международной Академии Керамики) и членом IAPMA( Международной Ассоциации художников, работающих с бумагой).

Работы Дарьи Кротовой находятся в различных галереях, музеях и частных коллекциях: в США (The Kramlich Collection), Великобритании (The Saatchi Collection), Франции, Бельгии, Австрии, Израиле, Швейцарии, России. Постоянный участник европейских арт-ярмарок: Art Paris, Vienna Contemporary, Cosmoscow, Art Vilnius, Art Moscow, Tbilisi Art Fair.

Серия «Мемы» (ткань, бумага для переноса изображения, печать, ручная вышивка) была сделана для выставки Ренессанс, куратор Гоша Острецов. Дарья работает с идеей визуальных профанаций, коверканий и наслоений, которым подвергаются образы классической живописи в соцсетях и масмедии.

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Ярмарка blazar, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Мир идей, a—s—t—r—a gallery, ЦСИ Винзавод, Москва


Работы


Диалоги, серия
Кротова Дарья

Диалоги, серия "Мемы", 2024

Ткань, трансферная вышивка
30 х 42 см
60 000 ₽
Береза, серия
Кротова Дарья

Береза, серия "Мемы", 2024

Ткань, трансферная вышивка
30 х 42 см
60 000 ₽
Спящий, серия
Кротова Дарья

Спящий, серия "Мемы", 2023

Ткань, трансфер, вышивка
30 х 42 см
50 000 ₽
Черная вдова, серия
Кротова Дарья

Черная вдова, серия "Мемы", 2023

Ткань, трансфер, вышивка
30 х 42 см
50 000 ₽

Марголин Дмитрий

Родился в Ленинграде.

В 2020-м Дмитрий получил предложение расписать храм Святого Иоанна Предтечи в Пушкинских горах. Работа над масштабной росписью продолжалась 5 месяцев и была завершена в сентябре 2020-го года.

Родился в Ленинграде.

Окончил Академический художественный лицей им. Б. В. Иогансона. В 2007-й окончил факультет живописи Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени Ильи Репина.

Живопись, графика и скульптура художника выставлялись в разные годы в залах Академии Художеств, ЦВЗ Манеж, музее Эрарта, галерее ДК Громов и других галереях в России и зарубежом. Его работы входят в коллекцию Русского музея.

В 2020-м Дмитрий получил предложение расписать храм Святого Иоанна Предтечи в Пушкинских горах. Работа над масштабной росписью продолжалась 5 месяцев и была завершена в сентябре 2020-го года.

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — Тихий ход. (Не)очевидная арт-сцена Петербурга, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — Cosmoscow art fair, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2021 — Start Art Fair. Лондон, Великобритания
  • 2019 — Уличное и Небесное. Галерея ДК Громов, Санкт-Петербург
  • 2015 — Страсти. Музей Эрарта, Санкт-Петербург
  • 2014 — Ночное Плавание. Итальянский зал Академии Художеств. Санкт-Петербург
  • 2013 — Живопись и графика Дмитрия Марголина. Галерея Мастер, Санкт-Петербург
  • 2008 — Вместе и по отдельности. Галерея МАРТ, Санкт-Петербург

Кураторский текст: Дмитрий Озерков

«...Дмитрий Марголин не пользуется кальками, припорохами и прочими старинными технологиями копирования и прорисовки изображений. Каждую композицию он выдумывает заново, и она не полностью похожа на известные византийские или древнерусские прообразы, которые в ней лишь отчасти узнаются. Например, в сцене «Noli me tangere», где Спаситель открыт и внимателен к идущей к Нему Марии. Он не отстраняется от нее, говоря, «Не прикасайся ко Мне, ибо Я еще не восшел к Отцу Моему» (Ин 20:17), но протягивает к ней руки, словно в ответном объятии. Что это, нарушение канона? Нисколько. Дмитрий Марголин изображает предыдущий эпизод встречи, когда Мария еще только узнает Иисуса. У разверстого гроба она ищет Его тело, чтобы забрать Его. «Иисус говорит ей: ‘Жена! Что ты плачешь? Кого ищешь?’ Она, думая, что это садовник, говорит Ему: ‘Господин! Если ты вынес Его, скажи мне, где ты положил Его, и я возьму Его’» (Ин 20:15). Она все еще не понимает, что это Он, так как вид Его, по всей видимости, отличается от того, к которому она привыкла. И тут Он называет ее по имени, и она узнает Его по голосу: «‘Мария!’ Она обратившись говорит Ему: ‘Раввуни!’ — что значит Учитель!’» (Ин 20:16). И бросается к Нему. И только тут Он предостерегает: «Не прикасайся ко Мне». У Марголина еще нет этих последних слов. А весь этот эпизод изображен в Райском саду, на что, очевидно, художника натолкнуло евангельское слово садовник. Там «все травы да цветы; гуляют там животные невиданной красы». Тигр здесь не атакует косуль, а «синий вол, исполненный очей» возлежит на земле торжественно и достойно. Птицы небесные неимоверных раскрасок чувствуют себя вольготно у ног Спасителя. Это история продантовскую «любовь, что движет солнце и светила». Композиция всей этой сцены восходит к мотиву встречи мужчины и женщины, центральному в творчестве Дмитрия Марголина, раскрытому им и в живописи, и в скульптуре. Его Христос и Мария похожи на райских Адама и Еву, на прекрасных и абстрактных куроса и кору, встречающихся под райскими яблочными кущами. Прообразом церковной росписи послужили скульптуры древнегреческих куроса и коры, которых художник по-своему осмысляет и наделяет христианскими атрибутами. И живописная картина Марголина «Жених и Его Невеста» (2018), где курос-Адам встречает в саду кору-Еву. Это и начало и конец, грядущее падение и обетование спасения.

Где же здесь «ужасное современное искусство» с его иронией и переворотами смыслов, с его политической конъюнктурой и яркими скандалами? Место для всего этого в храме не осталось. Дмитрий Марголин, оставил все это за порогом. Впрочем, и внесенных внутрь мыслей оказалось достаточно для неприятия росписи в целом. Само ее создание не по принятым ныне рублевским канонам и есть жест современного искусства, которое дает ее автору право по-своему составлять хрестоматийные сюжеты из различных иконографических элементов. По виду у Дмитрия Марголина современен лишь «Страшный суд», помещенный, как и полагается, на западной стене. Он представляет собой урбанистическую панораму, где помимо домов угадываются фабричные трубы, доменные печи и бесчисленные заводские краны. Весь этот мир пылает в адском пламени, и этим он противопоставлен вечному цветущему спокойствию райского сада на симметричной сцене. Демон повержен в преисподнюю, а Спаситель торжествует в ограде Небесного Иерусалима. Старинная иконография прочтена современно с добавлением тем экологии и ада машинного производства.

Найти элементы современности при желании можно и в других сценах, но их появление говорит лишь о способности художника мыслить шире заданных рамок. Если кит в сцене с Ионой совершенно хрестоматиен и ведет свое начало откуда-то из ярославских росписей, перенесенных из Библии Пискатора, то грубые крестьянские лица псковских пастухов в сцене «Рождества» обращают на себя внимание своей «настоящестью». Они близки современным лицам, что роднит их со всей историей изображения этого сюжета в мировом искусстве. Простота лиц контрастирует с явлкенным чудом. У Марголина за этими лицами читается вся русская поэтическая традиция рассказа о Рождестве от Пастернака до Бродского, с «оглоблей в сугробе». Сотник Лонгин в сцене «Распятия» тоже современен. На нем нет шлема, а бритая голова и усиленная защитой униформа выдает в нем современного силовика. Впрочем, надпись «SPQR» на его куртке и канонические наряды остальных персонажей не оставляют сомнения в евангельской природе происходящего.

Немаловажно в этой храмовой росписи ее монументальное единство от мельчайшей детали, как, например, оперение птицы в «Noli me tangere», до всего трехмерного единства в целом. Здесь есть программа, есть канон и есть его интерпретация в красках. Есть свое тщательное и умное прочтение канонического текста, молитвенное размышление о нем и его сегодняшнее прочтение. Вовсе нет здесь злого умысла и попытки поколебать устои. Есть, напротив, желание показать, что христианская история жива и более чем современна. И что именно сегодня помимо базового образования и исполнения ритуалов художнику и простому прихожанину требуется невероятное сосредоточение и высокая мораль для того, чтобы продолжать называть себя христианином».

Острецов Гоша

Сегодня работы художника можно увидеть в Московском музее современного искусства, в Русском музее и Третьяковской галерее. В 2009 году Георгий стал одним из участников выставки в Российском павильоне на 53–й Венецианской биеннале современного искусства.  

Родился в 1967 г. в Москве.

В 1984 г. закончил Театрально-художественное училище при Большом Театре в Москве. Входил в группу художников «Детский сад». 1988-1998 гг. жил в Париже, работал с Жан-Шарлем де Кастельбажаком, Жан-Полем Готье, Люком Бессоном. 

Произведения находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи в Москве, Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге, Московского музея современного искусства РАХ в Москве, Музея Арктики и Антарктики в Санкт-Петербурге, Музее Сновидений им. З.Фрейда в Санкт-Петербурге, в частных коллекциях Чарльза Саатчи, Симона де Пюри, Лоуренса Граффа и др.

В своих работах Острецов обращается к эстетике комикса. Он создает авторскую иконографию в духе мейнстримовского комикса. При этом, в отличие от американских художников Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна, Острецов не копирует чужие иллюстрации, а разрабатывает свою графическую историю, близкую комиксам в стиле action.

«Новое правительство» — серия фантастических инсталляций, устроенная как американский комикс. В ней нет прямых отсылок ни к стране, ни к архитектуре. Но что-то, вероятно иррациональное, выдает происхождение работ. Может, потому что все мы наследники тоталитаризма — и зрители где-нибудь в Saatchi говорят после выставки: «А, ну теперь мы понимаем, как у вас в России все устроено». Искусство вскрывает национальные коды. Естественным путем возникают международные коммуникации.

Проект «Самоцветы инакомыслия» — это некий серый мрачный супрематический мир из рельефов, напоминающих макеты домов, в котором вдруг возникают динамичные абстрактные формы ярких цветов, взорванные архитектоны — самоцветы инакомыслия. Это одновременно интимные и монументальные формы. В каждой инсталляции я задаю сюжет: преследование, тюрьму, побег, взрыв, терновый венец." Гоша Острецов

ИЗБРАННЫЕ ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Готовый мир будущего от РОБОБЮРО, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 – Самоцветы инакомыслия. Галерея Syntax, Москва, Россия
  • 2021 – Подобие подобному подобного. Галерея Syntax, Москва, Россия
  • 2019 – Вечеринка для путешественников во времени. Галерея Syntax, Москва, Россия 
  • 2019 – Солнцебоорцы. ГУМ-Red-Line, Москва, Россия
  • 2019 – How To Learn The Upside Down World? NK Gallery, Антверпен, Бельгия
  • 2018 – 360 градусов изнутри. Artis, Москва, Россия
  • 2017 – I've been abducted hundreds of times! Palazzo Nani Bernardo, Венеция, Италия
  • 2016 – Меня похищали уже сто раз. Triangle gallery, Москва, Россия
  • 2014 – Автотранспорты НП. ЦСИ Заря, Владивосток, Россия
  • 2010 – Heavy Patients. Галерея Rabouan Mousson, Париж, Франция
  • 2010 – Love For Electricity. TM Project, Женева, Швейцария
  • 2009 – Апокалипсис. Галерея M.&J. Guelman, Москва, Россия
  • 2009 – Банальность и вечность. Галерея Триумф, Москва, Россия
  • 2009 – Robbing Good. Галерея Paradise Row, Лондон, Великобритания
  • 2009 – Coolville. Галерея Claire Oliver, Нью-Йорк, США
  • 2008 – Мертвые души. Галерея Триумф, Москва, Россия
  • 2008 – Молоко-SOS. Ravenscourt Galleries, Москва, Россия
  • 2007 – Salon Beaute. Rabouan-Moussion Gallery, Париж, Франция
  • 2007 – Ремонт. Московский музей современного искусства, Москва, Россия
  • 2005 – Беззаконие. Галерея Марата Гельмана, Москва, Россия
  • 2004 – Перфоманс. Церемония представления Нового Правительства к «Серебренному ордену чести» лучшего народа Российской Федерации. S.Art Gallery, Москва, Россия 
  • 2002 – Вандалы и генералы Нового Правительства. Галерея М.Гельмана, Москва, Россия
  • 2001 – Агитация за искусство. Галерея М. Гельмана, Москва, Россия
  • 2000 – Новое Правительство. Галерея М. Гельмана, Москва, Россия
  • 2000 – Посетитель. Государственный Русский музей, Мраморный дворец, Санкт-Петербург, Россия

ИЗБРАННЫЕ ГРУППОВЫЕ ПРОЕКТЫ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2023 – Мир идей, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 – Новое из старого. Галерея «Краснохолмская», Москва
  • 2021 – 2МАП. Медиацентр парка «Зарядье», Москва
  • 2019 – Актуальное искусство. Современные художники. ГУМ Red Line, Москва, Россия 
  • 2016 – Kollektsia! Contemporary Art in the USSR and Russia. 1950-2000. Centre Pompidou, Париж, Франция 
  • 2016 – Русские художники-участники Венецианской биеннале. ЦВЗ Манеж, Санкт-Петербург, Россия 
  • 2015 – Something else. Off biennale, Каир, Египет 
  • 2015 – Просвещение. В рамках 6 Московской биеннале современного искусства, Сколково, Москва, Россия 
  • 2015 – Розовый ящик. Музей Эрарта, Санкт-Петербург, Россия 
  • 2015 – Liberation continued. Graz museum, Грац, Австрия 
  • 2014 – Реконструкция 2 Фонд «Екатерина», Москва, Россия 
  • 2014 – Современный рисунок. Государственный Русский музей, Мраморный дворец, Санкт-Петербург, Россия 
  • 2013 – Части целого. В рамках 5 Московской биеннале современного искусства, Винзавод, Москва, Россия 
  • 2012 – Gaiety Is The Most Outstanding Feature Of The Soviet Union. Saatchi gallery, Лондон, Великобритания 
  • 2011 – Русский пейзаж. Галерея М.Гельмана, Москва, Россия 
  • 2009 – Русский павильон 53 Венецианской биеннале современного искусства. Венеция, Италия 
  • 2009 – Другая мифология. ГЦСИ, Москва, Россия 
  • 2009 – Вторжение: отторжение. Baibakov Art Projects, Москва, Россия 
  • 2008 – Мертвые души. Галерея «Триумф», Москва, Россия 
  • 2008 – Русская рулетка. Nassauischer kunstverein, Висбаден, Германия 
  • 2008 – Laughterlife. Diehl + Gallery One, Москва, Россия 
  • 2008 – Zoo Art Fair (Paradise Row). Лондон, Великобритания 
  • 2008 – Domestic Appliance. Flowers East Gallery, Лондон, Великобритания 
  • 2007 – Соц-Арт. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия 
  • 2006 – Amateurs. Центр современного искусства Marres, Маастрихт, Голландия 
  • 2005 – Russia 2 Bad News from Russia. WHITE BOX, Нью-Йорк, США 
  • 2004 – Россия 2 Специальный проект в рамках 1 Московской биеннале современного искусства, Москва, Россия 
  • 2001 – Искусство на время. Грац, Австрия. 
  • 1996 – Коллекция латексных костюмов и масок в галереях 13-го квартала (Jenifer Flay Gallery, Emmanuel Perrotin Gallery, Gallery Praz — Delavallade e.t.c.). 
  • 1996 – Correction. Галерея e.O.f., Париж, Франция 
  • 1993 – Биеннале современного искусства в Стамбуле, Турция 
  • 1992 – Манифестация иллюстраторов Франции. Городская библиотека, Виллёрбан, Франция 
  • 1990 – Arte Sacra Biennal. Пескара, Италия. 
  • 1985-1986 – Выставки с художниками-нонконформистами группы «Детский сад». Москва, Россия 
РАБОТЫ НАХОДЯТСЯ В СОБРАНИЯХ:
  • Государственная Третьяковская галерея, отдел новейших течений, Москва
  • Государственный Русский музей, отдел новейших течений, Санкт-Петербург
  • Музей современного искусства, Москва
  • Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург
  • коллекция галереи Saatchi, Лондон, Великобритания
  • коллекции фонда Zabludowitcz, Лондон, Великобритания
  • Музей Арктики и Антарктики, Санкт-Петербург
  • Музей сновидений им. З. Фрейда, Санкт-Петербург
  • Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург
  • частные коллекции в России и за рубежом


Работы


Робот лютнист
Острецов Гоша

Робот лютнист, 2023

Холст, акрил, карандаш
100 х 80 см
Искусственный интеллект
Острецов Гоша

Искусственный интеллект, 2023

Холст, акрил, карандаш
100 х 80 см
Робот алкаш
Острецов Гоша

Робот алкаш, 2023

Холст, акрил, карандаш
100 х 80 см
Minister of culture mask
Острецов Гоша

Minister of culture mask, 2023

Стекловолокно, акрил
42 х 29 х 33 см
510 000 ₽

Прокофьев Николай

Родился в 1993 году в Москве.

Основные медиумы - живопись, графика. Источником вдохновения для меня служат мифология, оккультизм и архаичное искусство.

Родился в 1993 году в Москве.

Основные медиумы - живопись, графика. Источником вдохновения для меня служат мифология, оккультизм и архаичное искусство.

ОБРАЗОВАНИЕ:

  • 2020-2022 — Институт БАЗА
  • 2015-2022 — Академия Ильи Глазунова 
  • 2010-2015 Московское Академическое Художественное Училище памяти 1905 года

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ И ПРОЕКТЫ:

  • 2022 — a—s—t—r—a Open.Vol 1, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — участие в выставке «Дано:», ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — участие в выставке «Demiurge forges his destiny», The 3rd floor gallery, Москва
  • 2021 — участие в фестивале «Advent. Начало», Новая Третьяковка, Москва
  • 2020 — участие в групповой выставке «Мой новый любовник», Москва
  • 2018 — участие в выставке «Дом Наркомфина», Галерея «открытый клуб», Москва
  • 2018 — участие в XXXVIII Молодежной выставке, выставочный зал МОСХ России, Москва
  • 2017 — участие в благотворительной акции «искусство для жизни», «Музей Русского Искусства», Москва
  • 2014 — выставка «Fabrika Cafe&Gallery», Москва
  • 2013 — участие в выставке «старый новый город», Галерея «открытый клуб», Москва


Работы


Переступающий
Объединение
Сурьма и румяна
Око
Прокофьев Николай

Око, 2020

Холст, акрил
90 х 90 см

Heiner Sebastian

Sebastian Heiner родился в Берлине в 1964 г. В 2004-08 гг. жил и работал в Пекине, в 2010 г. в Шанхае (студия в арт-зоне North Bund), в 2013 г. в Бангкоке (студия в V64 artstudio). В 2013 г. участвовал в треккинговому туру по Большому Кавказу в Грузии, а в 2014 совершил путешествие по Израилю и Иордании. На данный момент проживает в Берлине.

Sebastian Heiner родился в Берлине в 1964 г. В 2004-08 гг. жил и работал в Пекине, в 2010 г. в Шанхае (студия в арт-зоне North Bund), в 2013 г. в Бангкоке (студия в V64 artstudio). В 2013 г. участвовал в треккинговому туру по Большому Кавказу в Грузии, а в 2014 совершил путешествие по Израилю и Иордании. На данный момент проживает в Берлине.

  • 1984-91 гг. — Учеба в Берлинском университете искусств, Берлин
  • 1986 г. — Летняя академия в классе Вольфа Фостеля, Мальпартида-де-Касерес, Испания
  • 1991 г. — Магистрант Берлинского университета искусств в классе Клауса Фусмана

ВЫСТАВКИ

  • 2021 — Die ewige Wiederkehr: Flucht.Freundschaft.Kunst, White Square Gallery, Берлин
  • 2021 C19-Days, Музей FLUXUS+, Постдам
  • 2020 — Positions Berlin Art Fair 2020, White Square Gallery, Берлин
  • 2020 Among Strange Suns presented by Oliver Eckstein, Galerie N°3, Берли
  • 2019 — Выставка в Национальном музее современного искусства, Сеул, Корея
  • 2019 Выставка в Kunstkabinett Corona Unger Bremen, Бремен
  • 2019 — Перформанс Tremendous Dream, Берлин
  • 2019 — eat!Berlin, Музей FLUXUS+, Постдам
  • 2018-19 — Alleando, Collage der Künste zum Jahreswechsel, галерея Kunstkabinett Corona Unger Bremen, Бремен

Moloch City

В цикле картин маслом Moloch City, начатом в 2018 году, впечатления Heiner от таких мегаполисов, как Бангкок, Пекин и Шанхай воплощаются в мрачные фантастические сновидения, где верховные жрецы, изображенные в стилистике кубизма, вступают во взаимодействие с воинственными вооруженными роботами. Берлинский медиадизайнер Михаэль Врук, задумал по их мотивам серию из десяти ковровых полотен, а известный производитель дизайнерского текстиля, предприятие JAB Anstoetz воплотило идею в готовые ковры.

Врук развивает тему в духе научной фантастики от Станислава Лема и братьев Стругацких до китайского автора Лю Цысиня. Придуманные Heiner персонажи в ярких одеждах устали от хаоса окружающего их мира и общества и тоскуют по более развитым, неземным цивилизациям. После того, как их предводитель и некоторые из его союзников вступают в контакт с инопланетянами, прибывает космический корабль. Но земляне отвергают пришельцев и осуждают их из-за кажущегося превосходства, поэтому пришельцы решают улететь. Верховная жрица пытается примирить стороны, это ведет к обоюдному обмену идеями и осознанию, что инопланетяне всегда были рядом и теперь открывают человечеству возможность подняться на новый виток развития. Над этой заключительной сценой парит космический корабль и светит искусственный месяц.Обмен идеями и живое сотрудничество между Sebastian Heiner и Вруком привело к созданию современной изобразительной новеллы, в которой найдется место для самых разных интерпретаций. Врук захватывающе и актуально передал эту историю средствами графического дизайна. А затем художники открыли совершенно новые перспективы в области воплощения изобразительного искусства в текстиле.


Серия «Открытые границы» специально для России

Исследуя Россию с конца 2019 года как историческое и культурное пространство, лежащее между Европой и Азией, немецкий художник Себастьян Хайнер, представитель немецкой школы абстрактного экспрессионизма, в период с февраля 2021 по октябрь 2021 года создаёт серию Монотипий «Открытые границы». Серия посвящена России. Почему? В 2019 года художник, имеющий мастерскую в Шанхае, и офис в Берлине, летает между Азией и Европой. Волей судьбы, самым удобным видом перелета являются рейсы Аэрофлота, с дозаправкой в столице России - Москва. Художник опосредовано сталкивается со страной, про которую много читал, история которой, тесно переплетена с историей его страны. Интерес к культуре и истории продолжается интересом к сфере русского современного арт-рынка и дизайна.одом. Первое знакомство с арт-средой Москвы и первое знакомство с галереей «Астра» и ее владелицей – Алиной Крюковой. Встречи с разрывающими сердце контрастами. Подобное он уже переживал в Бангкоке, в Шанхае и Пекине - миллионы людей, миллионы жизней, и никакой определенности для европейского «чистого разума». Себастьян и его команда готовятся вновь приехать в страну «новой мечты» - Россию. Но визиту было не суждено состояться. Пандемия. Визы аннулированы. Контакты между странами поставлены на паузу. Спустя почти 2 года художник возвращается в Москву вновь. Октябрь 2021. Привозит с собой работы.

ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ

Русская инициатива



Работы


Flood of light
Heiner Sebastian

Flood of light, 2020

Холст, масло
180 х 140
Без названия 12
Heiner Sebastian

Без названия 12, 2019

Монотипия, бумага ручной работы с заклепками
51 х 33,5 см
45 000 ₽
Без названия
Heiner Sebastian

Без названия, 2019

Монотипия, бумага ручной работы с заклепками
50 х 40
45 000 ₽
Без названия
Heiner Sebastian

Без названия, 2019

Монотипия, бумага ручной работы с заклепками
50 х 40
45 000 ₽

Барабанов Виталий

На разных этапах своего творчества Виталий Барабанов обращался к самым разным техникам: используя автоматическое письмо, фиксировал образы из виртуальной реальности, привлекал животных для создания произведений искусства, экспериментировал с пигментами и текстилем. 

Родился в 1986 году в Загорске. Живет и работает в Москве. Окончил АХПУ им. Васнецова (2001-2005), Московский художественно-промышленный университет им. Строганова (2006-2011) и Институт БАЗА (2014-2016). Участник artist-run space Центр «Красный» (2015-2017). 

На разных этапах своего творчества художник обращался к различным техникам: используя автоматическое письмо, фиксировал образы из виртуальной реальности; привлекал животных для создания произведений искусства; эксперименты с пигментами и текстилем. Виталий использует различные медиа, сохраняя основной фокус на исследовании возможностей живописи и графики, с особым вниманием к природным аспектам.

ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — "Хроники Внутренней Природы", a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 — «Сады Нарциссов», галерея «Наковальня», Москва 
  • 2021 — «Make garden great again”, Shilo gallery, Blazar 
  • 2021 — «Perfect decay”, Shilo gallery, Cube Moscow 
  • 2017 — «Красные гвоздики», центр Красный, Москва
  • 2017 — «Красный. 2.0», Центр «Красный», Москва
  • 2017 — Plastic Cultura, Osnova галерея, Москва
  • 2016 — «Красный 1.0», Центр «Красный», Москва
  • 2016 — «Практики пленэра», Osnova галерея, Москва
  • 2015 — «Красный. 0.5», Центр «Красный», Москва
  • 2012 — «Супрематизм в контуре», ДОМ, Москва.

ГРУППОВЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Cosmoscow, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — «Мифы и случайные встречи», Ural vision gallery, Екатеринбург 
  • 2021 — «Живое вещество», государственная Третьяковская галерея на Крымском валу, Москва
  • 2021 — «Выбирая дистанцию: спекуляции, фейки, прогнозы в эпоху коронацена», музей современного искусства Garage, Москва
  • 2021 — «Метапауза», ДК Громов, Санкт Петербург
  • 2021 — «Выбор коллекционера ШиК», Всероссийский музей декоративного искусства, Москва
  • 2020 — Специальный проект Московской молодёжной биеннале «Группа поддержки», Cube, Москва
  • 2020  — «Весна которой не было», Шар и Крест, Москва 
  • 2019  — «В гостях у Валеры» OZON gallery, CUBE Москва
  • 2018 — «Дарья Кудинова и Виталий Барабанов», галерея Osnova, Москва
  • 2017 — «Cosmoscow”, специальный проект, гостинный двор, Москва
  • 2017 — В рамках Стамбульской Биеннале «Picture of nothing», PG Art gallery, Стамбул
  • 2017 — «Прозрачные границы», Центр Красный, Москва
  • 2017 — «Ура Скульптура», Манеж, Санкт-Петербург
  • 2016 — «Психо», Фабрика, Москва.
  • 2016 — «Открытые системы. Опыты художественной самоорганизации в России. 2000–2015», Красноярск. 
  • 2016 — «Политика хрупкости», галерея «На Шаболовке», Москва
  • 2016 — «Сырое/Вареное», Специальный проект 5 биеннале молодого искусства ММСИ, Москва
  • 2016 — «Передвижной музей одной картины», Галерея «Беляево», Москва
  • 2015 — «Ура Скульптура», Винзавод, Москва
  • 2015 — «Открытые системы. Опыты художественной самоорганизации в России. 2000-2015», Гараж, Москва
  • 2015  — «Грязное бельё», Центр «Красный», Москва
  • 2015 — «Манифест. Пульс 2», Малый манеж, Санкт-Петербург
  • 2015  — «На карантине», Центр «Красный», Москва
  • 2015  — «Делай Медиум», Музей Москвы, Москва
  • 2015  — «Голоса», Центр «Красный», Москва
  • 2015 — «Футуристическая мимикрия», Домик Чехова, Москва
  • 2015  — «Бомба», Центр «Красный», Москва
  • 2014 — «Манифест. Пульс 1», Малый Манеж, Санкт-Петербург
  • 2014 — «До и После», IV Московская биеннале молодого искусства, галерея «Туннель», Москва
  • 2014 — «Бойс, Йозеф Бойс, Мой Бойс», РМСИИ, Ростов на Дону
  • 2012 — «Открытое письмо» паблик-арт акция, Музеон, Москва
  • 2012 — «Стратегический проект» III Московской биеннале молодого искусства, ММСИ, Москва
  • 2011 — «В стиле Малевича», Москва, ДОМ
  • 2010 — «Артзонд», Малый манеж, Санкт-Петербург

«Всё началось, когда в 2018 году я параллельно с экспериментами по созданию «живого произведения» и «живописью действия» начал работать непосредственно с изобразительностью. В результате этих поисков в 2021 родился проект «Perfect decay”. Здесь я исследовал взаимосвязь своих психоэмоциональных состояний и памяти о местах, где я был, и куда время от времени, как бы возвращаюсь в своем воображении. В этих «путешествиях», я пытался вслушиваться в меняющиеся состояния природы и хотел ощутить одновременно ее цикличность и непостоянство. Это в результате привело к «распаду» изображения, невозможности зафиксировать его устойчивое состояние. Собственно, на основе этой работы, я стал пробовать называть «природой» свою внутреннюю реальность. Здесь для меня принципиально важно подчеркнуть, что создавая изображения, я работаю исключительно с пространством «внутреннего» –  территории, где только и возможна встреча воображения с памятью. Непосредственно поэтому, я намеренно не прибегаю к переносу изображение на холст с фотографии. Я считаю, что фотография – это мертвая натура, всего лишь момент, остановленный затвором камеры, тогда как моей целью в проекте Perfect Decay – было ухватить и представить зрителю сам процесс, с присущей только ему динамикой.

Позже, уже в проекте «Make garden great again” я сформировал понятие «Сада», как свой внутренний автопортрет, в каждый день, когда создавалось произведение, где я рассматривал своё состояние через фрагмент пейзажа или даже растения. По законам медиума в проекте, каждая работа начатая в один день- обязательно должна быть законченна в тот же день, чтобы запечатлеть мою «внутреннюю природу» и психоэмоциональное состояние в этот день. Сейчас «Сад» представляет собой некий конструкт из разных фрагментов пейзажей, которые я соединяю в «идеальную природу», которая передаёт моё состояние в процессе создания.» 

цитата Виталий Барабанов, художник

"Прежде всего, я считаю что путь художника- это очень большой, системный, каждодневный и последовательный труд. Один из моих учителей, говорил, что труд художника больше не физический, а умственный. Но хотелось бы сказать, что и физическая составляющая труда тоже громадная. Сложно рассуждать про свой творческий путь, так как я считаю что хорошего художника нужно рассматривать спустя 20-30 лет его творчества, где последовательно видны его этапа творчества, методология работы и смена медиумов. Хотя я и рисую, наверное лет с 4-5 постоянно, окончив художественную школу, художественное училище, Академию и Институт современного искусства, изучив разные Техники и методы работы, считаю осознанное начало пути Современного художника с 2014 года. Именно с 2014 года я стал иметь доход от своих произведений. Но, я думаю, что с момента поступления в художественную школу, я уже понял что буду художником. Помню, мой первых учитель сказал, увидя моё рабочее место в студии- Ну вы посмотрите, у всех порядок и всё лежит на своих местах, а у Барабанова какой то только ему понятный порядок и хаус- наверное он будет настоящим художником. 

...Меня вдохновляет очень много гениев. В основном это художники изучающие и экспериментирующие с живописью: Малевич, Матисс, Моне, Бюрен, Ротко, Мерету, Поллок, Дойг, Хокни, Врубель. Из художников работающих с другими медиумами- очень нравятся Ханс Хааке и Пьер Юиг."

Виталий Барабанов в интервью для журнала "Объединение"

Проект "Perfect Decay"

"На разных этапах своего творчества Барабанов обращался к самым разным техникам: используя автоматическое письмо, фиксировал образы из виртуальной реальности, привлекал животных для создания произведений искусства, экспериментировал с пигментами и текстилем. Но на настоящий момент его авторские поиски сконцентрированы вокруг экспериментов с возможностями живописи и графики.

В проекте Perfect Decay Барабанов исследует взаимосвязь своих психоэмоциональных состояний и памяти о местах, где он некогда был, и куда время от времени возвращается в своем воображении. В этих «путешествиях» художник особенно чутко вслушивается в меняющиеся состояния природы, пытается ощутить одновременно ее цикличность и непостоянство. Что в результате логично приводит к «распаду» изображения, невозможности зафиксировать его устойчивое состояние. Поскольку «природа» как цельное понятие, устоявшееся c XIX века, в наши дни дискредитировано, Барабанов предпринимает попытку назвать «природой» свою внутреннюю реальность, и тем самым оставляя право давать чему-либо название за самим художником. В этом смысле для автора принципиально важно подчеркнуть, что создавая изображения, он работает исключительно с пространством «внутреннего» –  территории, где только и возможна встреча воображения с памятью. Именно поэтому Барабанов намеренно не прибегает к переносу изображение на холст с фотографии. Ведь  фотография – это мертвая натура, всего лишь момент, остановленный затвором камеры, тогда как цель художника в проекте Perfect Decay – ухватить и представить зрителю сам процесс, с присущей только ему динамикой.

Текст Андрея Мизиано

Проект "Сады Нарцисса"

"Виталий Барабанов на протяжении всей своей художественной биографии последовательно изучает возможности живописи. Однако решением проблем цвета и композиции он не ограничивается. На разных этапах своих творческих поисков Барабанов прибегал к автоматическому письму, «траспонированию» образов и изображений, рожденных в виртуальной реальности, экспериментам с природными пигментами и текстилем, и даже вовлекал в процесс создания произведений домашних животных.

Настоящий проект Барабанова органично выходит из предыдущего, который был посвящен исследованию «внутренней природы человека». Художник создал ряд пейзажных работ, которые при всей своей кажущейся классической на уровне жанра форме являлись автопортретами, составленными из фрагментов воспоминаний автора.

«Сады Нарцисса» унаследовали от упомянутой серии в первую очередь визуальный язык и отчасти форму, тогда как содержание и критический фокус поменялись радикально. В этот раз Барабанов использует пейзаж как самый любимый и кажущийся ясным и понятным для массового зрителя жанр. Делает он это, вне всяких сомнений, намеренно, иронично потакая общественному запросу на «легкое искусство», но при всем при том заходя еще дальше, создавая свои пейзажи поверх зеркал. Ни для кого не секрет, что заметная часть аудитории современных музеев — это люди, пришедшие не для того, чтобы посмотреть выставку, изучить заложенные в нее художником и куратором идеи, а чтобы лишь задействовать размещенные в залах произведения искусства как задник для фотосессии.

Однако нельзя сказать, что Барабанова занимает исключительно сложившаяся в наше время проблема «(не)смотрения» на искусство, становящееся в таких обстоятельствах не более чем декоративной подложкой для чьей-то саморепрезентации в сети. Так как в конечном счете, если в ДНК самой работы изначально заложена возможность подобного рода интеракции между субъектами, то смысл, рождающийся в ходе запрограммированного взаимодействия, выходит за пределы односложной игры в поддавки и заставляет задуматься о вопросах иного порядка. Главный из которых: «зачем человек в цифровой век все еще испытывает необходимость наблюдать природу, и почему форма пейзажа остается непреходящей?".

Текст Андрея Мизиано

Реликварий органической живописи

Проект продолжает «эксперименты» автора по созданию «живого» произведения в соавторстве с природой. Для меня очень важно в живописных практиках использовать связь natura и cultura. То есть создание произведений, не отделяя себя от природы и даже часто внутри неё самой. Проект исследует возможность создания нового «тела» и новой «кожи» картины с помощью свойств коллектива по Латуру (сочетание человеческого и нечеловеческого, а также новый тип акторов). 

Холсты представленные в проекте производятся с помощью помещения натуральных тканей в сосуды для выращивания комнатных растений (кашпо), где негрунтованный холст является почвой для «выращивания» живописи. Художник поливает «почву» растворами пигментов и разными связующими. «Уход» за «почвой» может длиться как от нескольких дней так и до нескольких недель. После того, как художник считает произведение законченным, холсты достаются из сосудов. После сушки они натягиваются на специальные подрамники, чьи формы добавляют сакральности произведению.

Важным является размер холстов больше человеческих, аппелируя к activ painting и абстрактному экспрессионизму.

Из некоторых частей «выращенных» холстов создаются «мозаики», где сшиваются произведения из разных фрагментов тканей. Мозаики могут напоминать также готические витражи с использованием фрагментов супрематический элементов.

В первой части инсталляции представлены холсты, которые выстраиваются в галерею-коридор, который ведёт к «алтарю». Коридор варьируется по размеру и имеет только один правильный выход. Самой значимой частью является «алтарная» часть. Там располагается большой трёхчастный холст, созданный по принципу древнехристианского складня. Во внутренней его части неоновая скульптура реликвии основных цветов радуги, как символ законов природы.

ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ:



Работы


Без названия
Барабанов Виталий

Без названия, 2023

Бумага, смешанная техника
130 х 92 см
200 000 ₽
Девочка с красной помадой
Барабанов Виталий

Девочка с красной помадой, 2024

Рисовая бумага, смешанная техника
130 х 92 см
200 000 ₽
Девочка с короной
Барабанов Виталий

Девочка с короной, 2024

Рисовая бумага, смешанная техника
130 х 92 см
200 000 ₽
Девочка на каникулах
Барабанов Виталий

Девочка на каникулах, 2024

Рисовая бумага, смешанная техника
130 х 92 см
200 000 ₽

Бушуев Павел

Получив академическое художественное образование (СПбГАИ им. И.И. Репина), Павел Бушуев продолжает развиваться в различных современных медиа, экспериментируя с художественными языками, однако большая доля его изобразительной практики является черно-белой графикой.

 

Родился в 1987 году в Копейске Челябинской области. 

Окончил Челябинское художественное училище  (2007) и графический факультет (мастерская Пахомова Андрея Алексеевича) СПбГАИ им. И.И. Репина (2014). С 2014 по 2017 годы стажировался в творческих мастерских Российской академии художеств в Санкт-Петербурге. В период обучения участвовал в выставках и конкурсах в России, Корее и Китае, сотрудничал с «ГОЗНАК» (Монетный двор). Работы Павла находятся в собраниях Музея Фаберже, BREUS Foundation, частной коллекции главы Дома Guerlain, а также в частных коллекциях многих стран, включая Россию, Францию, Корею, США и Китай.

В своих работах Павел фиксирует процесс внутренних метаморфоз, происходящих внутри человека во время переживания чего-либо, приходящего извне. Получив академическое художественное образование, Павел продолжает развиваться в различных современных медиа, экспериментируя с художественными языками, однако большая доля его изобразительной практики является черно-белой графикой. В своем творчестве художник часто сталкивает академическое рисование с современными тенденциями, исследуя границы нормальности и субъективности, реальности и мистицизма. 

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ И НАГРАДЫ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2023 —Тихий ход. (Не)очевидная арт-сцена Петербурга, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — blazar young art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва
  • 2022 — Cosmoscow art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва
  • 2022 — a—s—t—r—a Open.Vol 1, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2022 — Коллективное самосбывающееся пророчество о нашем прекрасном завтра, галерея a—s—t—r—a, Винзавод, Москва
  • 2022 — Программа Арт Москва в рамках 48 Российского атикварного салона, галерея a—s—t—r—a. Гостиный двор, Москва
  • 2021 — Групповая выставка "12345 я иду искать", Санкт-Петербург, Россия
  • 2021 — Cosmoscow art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва
  • 2021 — Blazar, галерея a—s—t—r—a, Москва
  • 2021 — Программа Арт Москва в рамках 46 Российского атикварного салона, галерея a—s—t—r—a. Гостиный двор, Москва
  • 2021 — "Russian Shield", Санкт-Петербург, Россия 
  • 2020 — Cosmoscow art fair, галерея a—s—t—r—a, Москва, Россия
  • 2019 — АРТ Ивент Suspense. Особняк Бракгаузена, Санкт-Петербург
  • 2019 — АРТ Ивент Suspense 2.0. Порт Севкабель, Санкт-Петербург
  • 2018 — Интервенция. Эрмитаж, Главный Штаб, Санкт-Петербург
  • 2018 — Международная пятая биеннале графики. Румыния
  • 2012 — Международная художественная выставка. Пекин, Китай
  • 2011 — 1 место в конкурсе на разработку дизайна олимпийской купюры
  • 2010 — Международная выставка искусств. Сеул, Корея

"Творчество всегда должно быть искренним, чтобы найти своего зрителя. Творчество - это постоянный поиск своих сторон. Это наслаждение от находки. Это непрерывное недовольство от уже сделанного, как знак того, что надо двигаться дальше.

Деформация (от лат. Deformatio – «искажение») – изменение взаимного положения частиц тела, связанное с их перемещением друг относительно друга. В данной серии представлены глубинные деформации, происходящие внутри человека. Восприятия событий, переживания и мысли, а так же внешние факторы проходят сквозь нас , искажая когнитивную оболочку. Деформация – это фиксация этих ощущений
." 

Павел Бушуев

ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ:



Работы


Конь
Бушуев Павел

Конь, 2022

Бумага, монотипия
70 х 100 см
150 000 ₽
Бюст №1
Бушуев Павел

Бюст №1, 2022

Бумага, монотипия
100 х 70 см
150 000 ₽
Череп кабана
Бушуев Павел

Череп кабана, 2021

Бумага, монотипия
100 x 70 см
135 000 ₽
Нагая
Бушуев Павел

Нагая, 2024

Бумага, монотипия
85 х 60 см
150 000 ₽

Доешвили Кирилл

Кирилл Доешвили — художник, поэт, музыкант. Изучал искусство, философию, поэзию и литературу, вольнослушателем посещал курсы при Академии им. Репина. Учился в Днепропетровском художественном училище.

Родился 29 июня 1988 года в Санкт-Петербурге. 

Изучал искусство, философию, поэзию и литературу, вольнослушателем посещал курсы при Академии им. Репина. Учился в Днепропетровском художественном училище. С 2022 года живет и работает в Москве. Участник российских и международных выставок и резиденций. Работы Доешвили находятся в частных коллекциях в России, Украине, США, Австралии, Англии, Германии, Чехии. 

Кирилл видит свое искусство через глаз, не подчиняющийся рукотворным законам перспективы, стремясь познать каждый объект через приключение восприятия. Само рисование превращается для него то в собеседника, то в незнакомца, с которым он начинает жонглировать образами. Каждая работа — это новая ситуация, в которой динамично разворачиваются события, но все они одновременно связаны общей логикой и персонажами: Трещак ненаказанный, Дружелюбный Пират рохля, Бродячий Аполлон, Ненаучный болтун.  Среди них нет плохих или хороших. Они все объяты пламенем любви, но не знают как ее правильно выражать. Точно как и мы.

ИЗБРАННЫЕ ВЫСТАВКИ:

  • 2023 — Ярмарка |catalog|, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Blazar, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 — Сок из камня и земли, галерея a-s-t-r-a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2022 — a—s—t—r—a open.vol. 2, галерея a—s—t—r—a, ЦСИ Винзавод, Москва
  • 2020 — арт-резиденция «Южный Берег» тема: «Тайна»
  • 2020 — участник проекта НОВАЯ РЕАЛЬНОСТЬ. К 100-ЛЕТИЮ УНОВИС.
  • 2020арт-форум Berlin Art.
  • 2020 — выставка экспрессионизма, Гостиный двор
  • 2020 — создание психоделических объектов на арт-фестивале “Sunburn” Goa, India.
  • 2019 — арт-резиденция «Южный Берег»
  • 2018 арт-фестиваль «Краски мира» г. Коктебель.
  • 2017 — создание и арт-оформление дизайна, “Extreme festival”
  • 2016 «Таврида»

МИР ДОЕШВИЛИ

Инстинктивная Вера в художественную форму, симбиоз внутренних и внешних путешествий, знаки на пути продвижения в искусстве.

Не задумываясь о том, что смерть близка, я постоянно пытаюсь постичь  пустотность всех форм, которые искажаются и видоизменяются, имеют свою величину и даже формальное понятие времени. Когда человек  усердно рисует или пишет, то у него появляется два типа знаков продвижения по пути — определённые и неопределённые, — которые показывают, что вскоре результат будет достигнут. 

Неопределённые знаки, называются основными и появляются благодаря предыдущим связям, даже если человек вообще никогда не занимался искусством . Поскольку на них нельзя полагаться, я не буду их описывать здесь.

Определённые знаки появляются в результате рисования и бывают двух видов: преходящие и неизменные.

Преходящие знаки могут появляться как в действительности, так и в настроении. Что касается первого вида, то, когда ты делаешь предварительные наброски, ты можешь ощущать, будто твоё тело вот-вот развалится, как стены трескающегося дома. Твой голос может ослабевать, как в состоянии крайнего изнеможения. Ты можешь начать конвульсировать, как одержимый духами. Это показатели того, что ты разделил действительность и мир образов.

В настроении может появляться разочарование собственным телом, речью и умом. Это демонстрирует то, что ты очистил себя . Если эти состояния не появились, значит, ты не обрёл достаточного опыта, поэтому необходимо дальше погружаться в форму.

В результате усталости,действительные знаки проявляются в блаженстве физического тела, в том, что ты хочешь выговориться, а в уме всё переживается, как пространство. Ты можешь чувствовать: «Ничего не существует!» Вместе с этим появляется радость, чистая как небо. У тебя может появиться ощущение, что ты забыл о том, что есть тело, не замечаешь дыхания и не хочешь покидать  состояния отсутствия мыслей, думая: «Вот оно!» Это знаки овладения стабильностью своего естественного состояния, которое изначально присуще нам. 

Понимание этого может проявляться и в ощущениях: куда бы ни двигалось твоё внимание, ты понимаешь и постигаешь, что это твой собственный ум, видишь проекции и возвращения своих мыслей как собственное проявление и понимаешь, что они абсолютно несубстанциональны, как пространство. Это знаки того, что посредством воззрения ты определился в том, что явления — это твой ум.

 

ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ:

 



Работы


Ноктюрн
Доешвили Кирилл

Ноктюрн, 2024

Холст, масло, смешанная техника
20 х 15 см
Он превращает бурю в тишину
Доешвили Кирилл

Он превращает бурю в тишину, 2024

Холст, масло, смешанная техника
30 х 40 см
Ее сердце в обрамлении звезды
Доешвили Кирилл

Ее сердце в обрамлении звезды, 2024

Холст, масло, смешанная техника
20 х 25 см
Без названия
Доешвили Кирилл

Без названия, 2024

Холст, масло, смешанная техника
10 х 10 см

Котешов Кирилл

Художник из Кемерово, выпускник академии им. Штиглица. Создает индустриальные пейзажи, трансформированные в соответствии с особой философией автора в футуристичные образы города.

Родился в 1983 году в Кемерово.

Окончил Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А.Л. Штиглица на кафедре монументально-декоративной живописи, мастерская проф. В.Г. Леканова (2004-2010) и Кемеровское художественное училище на живописно-педагогическом отделение (1999-2004). Работы художника находятся в Русском музее.

В своих работах Кирилл рассматривает идею глобализации как метафору библейским сюжетам, используя стилистику, отсылающую к эстетике Высокого Возрождения. Котешов препарирует эстетику классического изображения тела, исследуя мотив, напоминающий поздние скульптуры Микеланджело из серии "Рабы" – закрученные в спирали тела, где-то неоконченные, почти не высеченные из камня

Художник также создает индустриальные пейзажи, трансформированные в футуристичные образы города, используя кузбасслак каменноугольную смолу, что отсылает к промышленному контексту малой родины.

ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ И ПРОЕКТЫ

  • 2010 — “Столпотворение”, галерея Ателье № 2, Москва
  • 2010 — Vive la jeune Garde, Atelier du vent, Ренн
  • 2010 — “L'Exposition d'Ilya Gaponov & Kirill Koteshov”, Maison du ventes Leclere, Марсель
  • 2010 — “Summer snow”, Maison du Loir-et-Cher, Блуа
  • 2008 — “Три дня”, галерея Триумф, Москва
  • 2008 — “Последний снег”, галерея Глобус, Санкт-Петербург.
  • 2008 — “UNDER GROUND”, Манеж, Малый зал, Санкт-Петербург. 
  • 2007 — “Кузбасс параллельный”, галерея Триумф, Москва
  • 2007 — “Положение” музей СПбГХПА, Санкт-Петербург

ГРУППОВЫЕ ВЫСТАВКИ И ПРОЕКТЫ

  • 2024 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2024 — Ярмарка |catalog| апрель, a—s—t—r—a галерея, Москва, Россия
  • 2023 — Ярмарка |catalog| декабрь, a—s—t—r—a галерея, Москва, Россия
  • 2023 — Cosmoscow, a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2021 —Ответ 42“ в рамках международного женского форума, Ледовый дворец Кузбасс, г. Кемерово
  • 2020 — “Реализм: вчера и сегодня. Искусство и правда“, филиал Русского музея в Малаге. Испания , г. Малага
  • 2020 — “Художники и коллекционеры – Русскому музею.Дары.1898 – 2019. Избранное“ Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  • 2019 — “КРАСОТА:ПЛЮС-МИНУС“,Центральный выставочный зал “ Манеж ”
  • 2018 — “Проект межрегионального взаимодействия в области современного искусства NEMOSKVA”
  • 2016 — “Ковчег”,  в рамках V международной биеннале молодого искусства,Москва
  • 2016 — “Changes”, Ural Vision Gallery, Будапешт
  • 2015 — “Россия. Реализм XXI век“,  Государственный Русский музей, корпус Бенуа, Санкт-Петербург
  • 2014 — “Новее нового“ в рамках Балтийского биеннале, Новый музей, Санкт-Петербург 
  • 2014 — “Строгость и красота”,Ural Vision Gallery, Екатеринбург
  • 2014 — “Другая столица”,Музей Москвы, Москва
  • 2014 — “Актуальный рисунок”, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  • 2014 — “Ватерлиния“ инсталляция, в рамках параллельной программы биеннале «Манифеста10», Rizzordi art foundation, Санкт-Петербург
  • 2013 — ICONS. Креативное пространство Ткачи. Санкт-Петербург, Россия
  • 2011 — “Врата и двери”, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  • 2010 — ART Moscow, галерея Триумф, Москва
  • 2010 — “Vive la jeune Garde”, Atelier du vent, Ренн
  • 2010 — Summer Snow. Maison du Loir et Cher. Блуа, Франция
  • 2010 — “Герой нашего времени”, Московская международная Биеннале “Стой! Кто идет?”
  • 2010 — “Футурология”, Центр современной культуры “Гараж”, Москва
  • 2009 — Kandinsky Prize Exhibition. Louise Blouin Foundation. Лондон
  • 2009 — ART Moscow, галерея Триумф, Москва
  • 2009 — VIII Красноярская музейная биеннале, Красноярск
  • 2009 — Фестиваль современного искусства ART Завод, Екатеринбург (ГЦСИ)
  • 2009 — “Топология счастья”, Историк архитектурный музей Царицыно, Москва
  • 2009 — “Русская красота”, ГЦСИ, Москва
  • 2009 — Europe Art Fair 2009, Женева, Швейцария
  • 2009 — Art Basel Selection, Базель, Швейцария
  • 2008 — “Death.net”, Художественная галерея «Виктория», Самара
  • 2008 — Галерея “White Space”, Лондон
  • 2008 — Фестиваль современного искусства ART Завод, Екатеринбург (ГЦСИ)
  • 2008 — ART Moscow, галерея Триумф, Москва
  • 2008 — “Переучет” Манеж, Малый зал, Санкт-Петербург
  • 2008 — “Память полей”, лофт-проект “Этажи”, Санкт-Петербург
  • 2008 — Фестиваль современного искусства “Снегарры”, Кемерово
  • 2007 — “Самый-самый новый”, галерея Ателье №2, центр современного искусства Винзавод, Москва.
  • 2006 — Фестиваль современного искусства “Арт – статус”, Кемерово
  • 2006 — Первая биеннале современного искусства, Санкт-Петербург
  • 2005 — Выставка конкурсных работ “Щелкунчик”, Выставочный зал Государственного театра оперы и балета Санкт-Петербургской Консерватории имени Н.А.Римского-Корсакова 
  • 2003 — Работа года, Кемеровский союз художников, Кемерово 

О ПРОЕКТЕ

Замысел работы отражает недоверие современного художника к должной степени величия окружающего его пространства. Желание “великого” неизбежно приводит к стихии монументального искусства, организованной по классическим законам. Идея реализуется с использованием сюжета о наиболее дерзновенном творческом событии в предполагаемой истории. Вавилонская башня, не достоверные каменные ступени древнего храма, а ее ментальная конструкция, проникла в структуру памяти и языка как многомерный символ. Творческий акт возведения башни можно расценивать как чистое желание величия. Трансформация желания в действие порождает архитектурное великолепие, позволяющее человеку упорядочить природу по правилам опор и перекрытий. Творение башни (столпа) есть технологическое возвеличивание человеческой цивилизации, оно продолжается по сей день. Народы, институты, культуры и субкультуры, явные и тайные общества равноценны как элементы структуры, изъятие одного из них провоцирует неустойчивость пазла. Персонификация общественных реалий оборачивается метафорой строительного процесса, где каждый персонаж становится архитектурным блоком. Становится ясно, что нагроможденные кирпичи, самостоятельно встающие на место, могут и не знать о существовании Архитектора. А между тем, Архитектор есть. В его роли на миг предстает художник, творящий виртуальное зодчество. Масштаб и риск этого начинания осознанно высок. С энтузиазмом начатая башня превратилась в замороженное за недостатком средств строительство; творение грандиозной пользы рискует превратиться в бесцельное столпотворение толпы. И потому, как напоминание о великом крахе великих идей, постройку неотступно сопровождает дух титанических фресок Возрождения.

Рассматривая идею глобализации как метафору библейским сюжетам, автор используя стилистику, по своим формальным признакам отсылающую к эстетике Высокого Возрождения, выстраивает острую композиционную структуру. Тело в данной работе сливается одно с другим. Тело становится одновременно живой материей неодушевленным предметом- фрагментом, пазлом, деталью механизма, который простирается за пространство холста.

Препарируя эстетику классического изображение тела автор тем самым исследует мотив, который в чем-то напоминает момент последних скульптур Микеланджело из серии "Рабы" - это закрученные в спирали тела -где-то неоконченные -почти не высеченные из камня. В них можно заметить такой модернисткий жест - тело и есть и его нет. Так же и тело в "Corpus II" становится своего рода рефреном и продолжением классической истории о человеке, его духе и борьбе.

Промежуток времени, участниками и наблюдателями которого мы являемся - время тектонических сдвигов концепций и парадигм, как в свое время эпоха возрождения. Глобальные структуры поглощают идентичности, ведя к унификации - языков, образов, мировоззрений. Но можно ли избежать тотального уравнения? может ли возникнуть компромисс между идентичностью и глобальным? могут ли остаться народы? 

Смешение и уравнение вроде бы неизбежно, но полифония всегда глубже и сложнее. Парадокс глобализации- в осознании своей идентичности.Башня не может быть достроена. Общее все равно распадется на частное. 

Выставка Актуальный рисунок, 2014 год, Мраморный дворец, Русский музей

Главная цель выставки - показать специфику функционирования рисунка в современном российском искусстве. Основной акцент сделан на произведениях 1990 - 2000-х годов, однако включен и более ранний материал, связанный, большей частью, с концептуализмом. Экспозиция демонстрирует различные способы актуализации рисунка и рисовальной техники.

«Древо Жизни — сложный образ, который существует в различных культурах и является одним из монументальных символов жизни, планеты и всего живого. Кирилл Котешов переосмысляет этот образ в виде большой живописной инсталляции, окутывающей собой все пространство и полностью поглощающей наше зрительное восприятие. Монументальная живописная инсталляция, которая создавалась в Русском музее для выставки «Актуальный рисунок», действительно соединяет в себе монументальную живопись, которая практически переходит в роспись стены. Рисунок выполнен настолько качественно, что создает ощущение работы старых мастеров, тем не менее, и сама тема Древа жизни и ее воплощение Кириллом Котешовым остаются актуальными сегодня.

В работе Кирилла Котешова древо образовано сплетающимися фигурами людей, тела соприкасаются и соединяются друг с другом, создавая ощущение кроны дерева, монолитной массы, движущейся вверх и объединяющей все сущее в единую связь. Тела лишены лиц, пола, индивидуальных признаков, но они идеальны с точки зрения физики, идеальны и одинаковы. Фигуры поддерживают друг друга, заставляют изгибаться, двигаться, принимать определенные позы — но все вместе они образуют единую цепь бытия, жизнь, обретающую форму, массу, которая кажется несокрушимой.»

ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ:



Работы


Город Солнца
Котешов Кирилл

Город Солнца, 2024

Холст, масло, битумный лак
400 х 800 см
Над новым миром
Котешов Кирилл

Над новым миром, 2018

Холст, масло, битумный лак
400 х 315 см
Город «Солнц»
Котешов Кирилл

Город «Солнц», 2024

Холст, битумный лак
200 х 200 см
Ресурс
Котешов Кирилл

Ресурс, 2022

Холст, масло, битумный лак
150 x 150 см

Сонин Сергей, Самородова Елена

Сергей Сонин и Елена Самородова (Товарищество «Свинец и Кобальт») – мультимедийные художники, работают в Москве и Санкт-Петербурге, основатели ряда художественных объединений. 

Сергей Сонин

Родился в 1968 году в Смоленске. Художник, режиссер, сценарист и продюсер. Учился в Санкт-Петербургском государственном университете кино и телевидения.

Елена Самородова

Родилась в 1973 году в Москве. Архитектор, художник-постановщик и фотограф. Училась в Московской художественной школе №1 и окончила Московский архитектурный институт, группу Экспериментального Учебного проектирования (1998).

Сергей Сонин и Елена Самородова (Товарищество «Свинец и Кобальт») – мультимедийные художники, работают в двух столицах: Москве и Санкт-Петербурге, основатели ряда художественных объединений. Работы находятся в коллекции Музея Москвы, Красноярского музейного центра «Площадь Мира», Мультимедиа Арт Музее и в частных коллекциях.

Последние полтора десятилетия художники продолжают непрерывные эксперименты, обыгрывая в своих работах воображаемые реконструкции культурно-исторического настоящего, прошлого и будущего мира, наполняя их новым содержанием. В своих мистификациях они также обращаются ко времени, сокращая или продлевая его ход, устанавливая «свои» авторские представления и рамки.

ИЗБРАННЫЕ ПРОЕКТЫ:

  • 2024 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2023 — Санкт-Петербургская ярмарка искусства «1703», галерея a—s—t—r—a, Манеж, Санкт-Петербург
  • 2023 – «Утопия и Ухрония. Сон помещика средней полосы», a—s—t—r—a gallery, Москва
  • 2022 – «Северная Аркадия», персональная выставка, Музей городской скульптуры, Санкт-Петербург.
  • 2022 – «Утопия и Ухрония», персональная выставка, галерея Navicula Artis, Санкт-Петербург
  • 2019 – «Шествие» премьера видеофильма, «Каро-арт», кинотеатр Октябрь, Москва
  • 2018 – «Развилка». Персональная выставка, галерея Крокин, Москва
  • 2016 – «Ловчий фрагмент. Русское стерео». Персональная выставка, галерея Крокин, Москва
  • 2015 – «Русский Реализм XXI века», Музей Современной истории России, Москва.
  • 2015 – видео фестиваль “Now&After”.  Фильм «Египетская стая»
  • 2015 – «Квадратура», - «Стратегическое наследство», КВЦ им. Тенишевых, Смоленск
  • 2015 – аукцион PIASA. Russian & soviet photographs. «Гоголь. Рим. Из Третьего в Первый», Париж
  • 2015 –  «Обогащение реальности», - «Стратегическое наследство», галерея А3, Москва
  • 2015 – «Победа как новый эпос», - «Стратегическое наследство», галерея искусств Зураба Церетели, Москва
  • 2014"Гоголь. Рим. Из Третьего в Первый", Музей Москвы. Персональная выставка.
  • 2013"Египетская стая", Красноярский музейный центр, персональная выставка, Красноярск.
  • 2013 – "Приют для снайпера", галерея Трансатлантик, Москва, Параллельная программа 5 Московской биеннале современного искусства. Персональная выставка.
  • 2013 – "Стратегическое наследство", Политехнический музей, Москва. Персональная выставка.
  • 2012 – "Горячий холод". Лофт-этажи, Санкт-Петербург 
  • 2012 – "Египетская стая. Часть 1", галерея ПОБЕДА, Москва. Персональная выставка.
  • 2010 – «Божественный ветер», Мраморный дворец, Санкт-Петербург.
  • 2009 Выставка «Божественный ветер», Музей современного искусства, Москва.
  • 2007 – «Генералы 70-х», Якут-галерея, Москва.
  • 2005 – «Генералы 70-х», фестиваль «Мода и стиль в фотографии», Москва.

"Вселенная Елены Самородовой и Сергея Сонина — «русская незримая Империя», то ли постапокалиптический мир, то ли параллельная реальность, зафиксированные в эстетически идеальных видео-фресках и артефактах, таких как, например, печные изразцы, заставляющие нас поверить в то, что все это происходило на самом деле. Обычный зритель в этих квантовых перемещениях рискует затеряться и, махнув рукой, отдаться эмоциональным и эстетическим переживаниям, но сейчас у нас есть возможность поговорить с авторами и распутать этот клубок смыслов." цитата из статьи "Елена Самородова, Сергей Сонин: над Русской Пустотой, через Русский дзен"

ИЗБРАННЫЕ ПУБЛИКАЦИИ:



Работы


Ordine Universi
Елена Самородова

Ordine Universi, 2024

Бумага, офорт
35 х 50 см
30 000 ₽
Canopicae
Елена Самородова

Canopicae, 2024

Бумага, офорт
35 х 50 см
30 000 ₽
Aureola Solaris
Елена Самородова

Aureola Solaris, 2024

Бумага, офорт
35 х 50 см
30 000 ₽
Pompam Planetarium
30 000 ₽

Монд Анна

Художественный язык Анны - это способ общения через тайну.

Анна Монд создает свои работы на основе ощущений, не ограничивая при этом свою свободу. Именно ее фантастическое «я» говорит ей, что чувствуют те, кто требует формы, цвета и того, что они хотят сказать, и художница подчиняется.

Художественный язык Анны - это способ общения через тайну.

Вы не сможете с уверенностью сказать, находите ли вы этих существ дружелюбными или враждебными, веселыми или грустными, тревожными или расслабленными.

По словам художницы, именно этот дискомфорт, вместе с чувством непонимания, дают жизнь ее «маленьким грешникам». Каждое существо представляет собой загадку, решение которой зависит от нас. Эти картины на столько же прямолинейны, на сколько и не поддаются однозначной расшифровке, образы проявляются из подсознательного художницы. Анна Монд создает свои работы на основе ощущений, не ограничивая при этом свою свободу. Именно ее фантастическое «я» говорит ей, что чувствуют те, кто требует формы, цвета и того, что они хотят сказать, и художница подчиняется.

Не смотря на то, что фантастические существа - это сплоченная серия, творческий процесс не является четко спланированным: «В большинстве случаев я чувствую, что что-то вот-вот начнётся и приступаю» - таким образом, на холсте собираются цветовые комбинации, герои картин обретают форму, принимают позы и становятся частью определённого сюжета.

Эти создания живут своей жизнью, даже попадая на выставки и в коллекции покупателей по всему миру. «Когда я продаю свои картины, они часто путешествуют по разным странам, но фантастические существа всегда связаны и тайно общаются друг с другом» - объясняет Анна.

Жилина Екатерина

Екатерину волнуют темы тоталитаризма, ГУЛАГ, неотрефлексированность исторических событий, проявление насилия на государственном уровне и микронасилие - от личности к личности и по отношению к самому себе. Предпочитает разрабатывать темы от полевого исследования через частные истории и опыт. Интересуется, как вербально сформулированные установки фиксируют и формируют действительность на личном и социальном уровне. 

Екатерину волнуют темы тоталитаризма, ГУЛАГ, неотрефлексированность исторических событий, проявление насилия на государственном уровне и микронасилие — от личности к личности и по отношению к самому себе. Предпочитает разрабатывать темы от полевого исследования через частные истории и опыт. Интересуется, как вербально сформулированные установки фиксируют и формируют действительность на личном и социальном уровне. 

Работает в технике живописи (масло, акрил), в печатных техниках (сухая игла, шелкография), делает черно-белую графику (тушь, черный карандаш).

В 2017 году увлеклась театром и прошла несколько интенсивов и лабораторию в Gogol School. Летом 2018 года участвовала в перформансе Sardonia Herba Юрия Квятковского на Архстоянии и в "Поезде Мира".

В 2019 году прошла курс монодрамы вместе с NOL.Project, написала и исполнила монодраму на площадке NOL.

В 2019 году участвовала в перформансе Максима Диденко и Владимира Варнавы "Коллайдер" на фестивале современного искусства "Форма". В августе 2019 года отобрана в театральную резиденцию "Барабан Отдыхает", где в качестве художника работала над эскизами спектаклей “Вишневый спад”, “Купание запрещено”, “Адептеры”.

В рамках резиденции сделала выставку-перформанс “Около семи портретов”. В ноябре и декабре 2019 года создала серию живописных работ акрилом на тему детских утренников, летом 2020 года защитила диплом на ДПО Иллюстрация (БВШД), тогда же в рамках резиденции в удаленном формате сделала серию портретов жителей Партальского ПНИ.

ПРОЕКТ MINDSCAPES (2020-2021)

Серия живописных работ-манускриптов, рисовая бумага, грунт, масло. Листы хрупкие, тонкие, по краям рисовая бумага не загрунтована, это поля, которые не несут смысловой нагрузки и принимают на себя "удар" процесса создания и обращения с работой: мнутся, пачкаются, обрываются. Свиток как форма подразумевает нарратив, документальность: события, которые имели место в прошлом, но восстановлены со слов ненадежного свидетеля.

В качестве референса служил русский лубок, средневековые маргиналии. Эти грубые и условные картинки, используются в мемах и невероятно точно отражают ощущение современного человека от реальности. Человек пытается нарративом (логикой, причинно-следственными связями) защититься от неописуемости мира, но в эпоху дипфейков и манипулирования медийным пространством реальность воспринимается как пересказ пересказов, противоречащих один другому, складывающихся в вибрирующую, шизофреническую картину, белый шум.


ИЗБРАННЫЕ ПРОЕКТЫ И ВЫСТАВКИ:

  • 2022 — blazar young art fair, a-s-t-r-a gallery, Москва
  • 2022 — Программа Арт Москва в рамках 48 Российского атикварного салона,  a-s-t-r-a gallery. Гостиный двор, Москва
  • 2020 — Резиденция "Сортавала" (удаленно)
  • 2020 — Дипломный проект БВШД "Translatio"
  • 2019 — Резиденция "Барабан Отдыхает", в качестве художника работала над эскизами спектаклей "Вишневый спад", "Купание запрещено", "Адептеры". В рамках резиденции сделала выставку-перформанс "Около семи портретов".
Купить в 1 клик
Настоящим подтверждаю, что я ознакомлен и согласен с условиями Публичной оферты и Политики конфиденциальности.